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miércoles, 11 de junio de 2014

LOS JUEGOS DEL HAMBRE



Título original: The Hunger Games
 Año: 2012 
Duración: 124 mins.
País: EE.UU
Director: Gary Ross
Guión: Suzzane Collins
Música: Danny Elfman, T-Bone Burnett
Fotografía: Tom Stern
Reparto: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Elizabeth Banks, Liam Hemsworth
Productora: Larger Than Life Productions, Lionsgate, Color Force, Ludas Productions

     Suzanne Collins es la hija de un miembro de las Fuerzas Aéreas estadounidenses y autora de la trilogía Los Juegos del Hambre. Desde 1991, Suzanne se ha dedicado a escribir en televisión para niños y jóvenes. Mientras trabajaba en una serie de Warner Brothers llamada Generation O!, conoció a James Proimos, quien la animó a intentar escribir un libro para niños, pero su verdadero éxito llegó con Los Juegos del Hambre. Que el padre de Suzanne la llevara desde muy pequeña a las bases militares en vacaciones, que participara en campamentos de lucha con espada y que fuera aficionada a ver películas de gladiadores que realzaban las ejecuciones y las convertían en un entretenimiento, tal vez sean algunas de las razones por las cuales Suzanne Collins tuviese la idea del argumento de esta trilogía.

       El relato nos cuenta cómo, hace años, de una tierra destrozada llamada Norteamérica, surgió Panem, una ciudad formada por trece distritos que rodean el Capitolio, centro neutral del país. Pero, aunque el Capitolio llevó la paz y prosperidad, los trece distritos se rebelaron contra él. Doce de ellos fueron vencidos y el decimotercero aniquilado. El Capitolio, para recordar a los distritos supervivientes quién mandaba, creó los "Juegos del Hambre", un cruel juego de supervivencia que se emite por televisión y que todo el mundo está obligado a ver. En él, veinticuatro adolescentes de entre doce y dieciocho años, un chico y una chica por cada distrito, son elegidos al azar para participar. El objetivo es sencillo: luchar a muerte entre ellos, pues solo uno de los veinticuatro puede ganar. Cuando Katniss Everdeen, una joven de dieciséis años, se presenta voluntaria para ocupar el lugar de su hermana en los juegos, lo entiende como una condena a muerte. Sin embargo, Katniss ya ha visto la muerte de cerca y la supervivencia forma parte de su naturaleza. Este hecho jugará un papel importante en el transcurso de los obstáculos a los que deberá hacer frente a lo largo de su participación en los juegos.

     Pero esta genial historia no podía quedarse en formato de novela, tenía que ser llevada a la gran pantalla, y es así como Gary Ross entra en escena. Nacido en Los Angeles, California, con una brillante carrera a sus espaldas, ganador de múltiples premios y director de películas como Lassie y Big, toma las riendas de este proyecto, convirtiéndolo en un fenómeno mundial, recaudando cifras descomunales de dólares y reuniendo a millones de personas en las salas de cine. Para la película opta por un estilo arriesgado, que podría haber arruinado la propuesta, pero no fue así. Incluso tiene algunos grandes momentos, como la elección de los tributos en La cosecha -evento en el que se eligen a dos participantes para los juegos- o las sesiones de entrenamiento. Están muy conseguidas las escenas en torno a Prim, hermana de Katniss, que subrayan la vulnerabilidad que ya indica su peculiar y cariñoso apodo: “cola de patito". Y con sus primeros planos acierta a reflejar la confusión de los protagonistas en varias escenas, como la despedida de Katniss antes de entrar en el tubo que la subirá al campo.    

     Destacaremos a Jennifer Lawrence, protagonista de esta historia y sin la cual la película no puede entenderse. La actriz, pese a ser cuatro años mayor que Katniss en el momento de empezar a filmar, obtuvo la bendición de su creadora literaria, ya que fue la única que capturó de verdad el personaje que describió en su libro y tenía todas las características necesarias para interpretarlo. Llevaba sobre los hombros la exigencia de convertir al personaje en icono juvenil, y para ello no bastaban las cualidades interpretativas, algo de lo que va sobrada, pero que a veces incluso estorban para determinado público. Es obvio que J. Lawrence estudió esta clase de películas y logró dominar ese gesto inescrutable que asociamos con la dureza propia y merecida del personaje.

     A pesar de todos los esfuerzos, la película no ha podido lograr una aceptación unánime del exigente público. Existe una minoría que resalta la poca expresividad de la protagonista, el exceso de efectos especiales (que en opinión de algunos disfrazan la saga) y una visión descabellada de la sociedad. Sin embargo, estas no son razones suficientes para no ser partícipes de esta espectacular saga, pues contiene todos los ingredientes necesarios para disfrutarla.

martes, 10 de junio de 2014

GRAVITY

Dirección: Alfonso Cuarón
País: El Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2013
Duración: 90 min.
Género: Ciencia ficción
Reparto: Sandra Bullock, George Clooney , Basher Savage, Eric Michels.
Productora: Warner Bros., Heyday Films, Reality Media



     Alfonso Cuarón Orozco (Ciudad de México, 28 de noviembre de 1961) es un guionista, productor y director de cine mexicano. Fue ganador de 4 nominaciones diferentes como mejor director, por la película Gravity en 2014. Cuarón ha dirigido largometrajes (producciones independientes en su país, producciones norteamericanas), anuncios, series e incluso proyectos conocidos y de grandes presupuestos, como Harry Potter y el prisionero de Azkaban y Children of Men.

     La película tiene como protagonista a la ingeniera Ryan Stone (Sandra Bullock), que viaja al espacio por primera vez con otros tripulantes, entre los que se encuentra Kowalski (George Clooney), que es ya un veterano en las misiones espaciales. El equipo de encuentra trabajando en el exterior de la nave, cuando el controlador de la misión en Houston les advierte de que algunos restos de otras pruebas espaciales se aproximan a ellos. De repente todo sucede a gran velocidad, la nave es sacudida con brusquedad y todos los tripulantes de la misión, excepto la doctora y Kowalski, mueren. Su nave queda destruida, pierden su única conexión con la tierra y se hallan perdidos, completamente solos, en la inmensidad del espacio.

     A pesar de ser una obra sencilla y con escasa trama, es un logro técnico que, por su complejidad visual, consigue hipnotizar con tanta belleza. El inmenso realismo te hace creer que realmente estás ahí arriba, completamente a la deriva, y puedes sentir la angustia y la desesperación de sus protagonistas. Una experiencia verdaderamente emocionante que aflora muchas sensaciones.

lunes, 26 de mayo de 2014

HE MATADO A MI MADRE

Título original: J'ai tué ma mère
 Año: 2009  
Duración: 96 min. 
País:  Canadá 
Director: Xavier Dolan 
Guión: Xavier Dolan 
Música: Nicholas Savard-L'Herbier  
Fotografía: Nicolas Canniccioni, Stéphanie Anne Weber Biron 
Reparto: Xavier Dolan, Anne Dorval, François Arnaud, Suzanne Clément
Productora: Indie Dandy Productions / Mililifilms / Novem
 
Trailer (subtítulos en inglés)



     Pocos jóvenes directores despiertan tanto interés como Xavier Dolan (25 años en la actualidad). Con tan solo 16 años, escribió el guion de J'ai tué ma mère  ('He matado a mi madre', no estrenada en España) , aunque no fue hasta los 19 que empezó a producir la película (en un principio financiada por él mismo, aunque más tarde pidió distintas subvenciones). Después llegaron Los amores imaginarios o Laurence Anyways (las cuales si que han sido estrenadas en nuestro país, aunque escasamente proyectadas), que han sabido captar la atención de la crítica cinematográfica, especialmente por su valor transgresor. Pero ya J'ai tué ma mère  sorprendió al público internacional: el trasfondo autobiográfico, la profundidad de los sentimientos y cómo se muestran, y el cuidado máximo de cada detalle hicieron de este largometraje una carta de presentación increíble para un nuevo director.

     En J'ai tué ma mère, Dolan, que además de director también es actor, encarna el personaje de Hubert, un adolescente de 16 años que vive con su madre divorciada, Chantale. La película empieza con Hubert contando que se pelearía por su madre, pero que no la soporta y no puede continuar su relación con ella. Una mañana, tras una discusión en el coche de camino al instituto, a Hubert le mandan un trabajo en el que tiene que escribir sobre ella, por lo que decide preguntarle a su profesora si lo puede escribir sobre otra persona porque su madre está muerta. Conversando profesora y alumno, aquella descubre que su madre no está muerta realmente y le dice: "has matado a tu madre". A partir de ese momento madre e hijo discuten contínuamente hasta que al final, los padres de Hubert deciden internarlo. Hubert no soporta la situación y destroza la habitación de su madre. Tras sufrir distintas agresiones en el internado, Hubert decide escaparse con ayuda de su novio Antonin. Se van a una casa de campo en la que pasaba el tiempo de pequeño. Su madre descubre que está ahí y los dos se abrazan.

     No todo el cine puede ser considerado arte. Hay cine más comercial, cine más experimental... Dolan se centra en un estilo muy propio a distintos niveles.
     Por un lado, ambienta la película en un tiempo presente pero siguiendo la estética actual basada en lo relativamente antiguo, en los últimos años del siglo pasado (ropa, mobiliario, colores...). Transporta esa estética "indie" más reservada para el mundo del cortometraje y el videoarte al mundo del cine de gran pantalla.
     Por otro, no utiliza los temas relativamente contemporáneos en el cine, como la homosexualidad o la transexualidad, como hilo conductor, sino que los integra en la vida cotidiana de los personajes, sin darle una importancia mayor de la que se merece.  En este tipo de detalles se observa la influencia en Dolan de las corrientes actuales y de cinematógrafos ya experimentados como Almodovar. 




     Además, tiene un cuidado especial por el vestuario, la estética y la banda sonora, lo cual convierte sus películas en un placer para los sentidos, y utiliza recursos visuales, como escenas "pop", para hacer visibles los pensamientos de Hubert, a parte de para quitar peso dramático a las escenas.

     Con una trama sencilla pero bien pulida, una estética especialmente cuidada y todos los detalles que he mencionado, J'ai tué ma mère se ha convertido una película imprescindible para quién le guste el buen cine canadiense y quiera empezar a saber del director que arrasa en Cannes.

miércoles, 21 de mayo de 2014

OCHO APELLIDOS VASCOS

Género: Comedia
Dirección y producción: Emilio Martínez-Lázaro
Idioma: Castellano y euskera
Fecha del estreno: 14 de marzo 2014

   El 14 de marzo tuvo lugar el estreno de la película Ocho apellidos vascos, dirigida por Emilio Martínez-Lázaro y protagonizada por Dani Rovira y Clara Lago, conocidos en el reparto como Rafa y Amaia, y Carmen Machi  y Karra Elejalde.

    Emilio Martínez-Lázaro nació en Madrid en 1945 y es el director de la película Carreteras secundarias. Su primer premio como director lo logró en el Festival de Berlín con Las Palabras de Max en 1978 (Oso de Oro). Dani Rovira creció como cómico en el Club de la comedia. A pesar de ser su primera película, ha actuado con seguridad y ha brillado al ser uno de los protagonistas. En cambio, Clara Lago tiene más experiencia, ya que ha actuado en películas como Tengo ganas de ti (2012) y El juego del ahorcado (2008). Carmen Machi es la protagonista de Aida, emitida en Telecinco. Y Karra Elejalde ha actuado en Invasor (2012) y Miel de naranjas (2012).

 En esta comedia, se trata de suavizar los enfrentamientos entre el norte y el sur. La película es curiosa, ya que Rafa, que procede del sur de España, de Sevilla, se enamora de Amaia, que proviene del norte, del País Vasco. Se trata de una situación posible, pero la comedia la presenta como insólita y el espectador lo acepta así desde el primer momento.

    Rafa piensa dejar de lado los conflictos que tienen entre sí estos dos territorios e ir al País Vasco. Decide hablar con Amaia y consigue encontrarla. Pero ella no quiere saber nada de él, hasta que su padre se entera de que está con alguien y se piensa que es un sevillano. Amaia le dice a Rafa que puede pasar tres días con ella, si se hace pasar por su novio vasco. Amaia queda en un bar con su padre, Koldo, para presentarle a Antxon, tapadera que utiliza Rafa para ayudar a Amaia. En este bar, Koldo le pregunta a Antxón sus ocho apellidos vascos, cuatro por parte de ama y cuatro por parte de aita. Improvisando, responde; Gabilondo, Igartiburu, Urdangarín, Zubizarreta, Arguiñano, Erentxun, Otegui y Clemente.

   Iñaki Gabilondo es periodista; Anne Igartuburu es una presentadora de Euskal Telebista, televisión autonómica del País Vasco; Iñaki Urdangarín es el Duque consorte de Palma de Mallorca, esposo de la Infanta de España, y balonmanista retirado; Andoni Zubizarreta un exfutbolista español; Karlos Arguiñano presenta el programa Karlos Arguiñano en tu cocina, en Antena 3; Mikel Erentxun es cantautor; Arnaldo Otegui es un político de ideología independentista vasca, y Javier Clemente es un exfutbolista y entrenador del futbol español del que cabe destacar sus años con el Athletic de Bilbao. Rafa escoge estos apellidos por ser gente famosa a la que conoce, pero al decir el último se equivoca pensando que Clemente era vasco. Koldo nota algo extraño.

    Tras la cena, Koldo lleva a su casa a  Antxón. Pero en realidad no es su casa, es de una sevillana que vivía a las afueras y que Rafa conoció en el autobús que le llevó al norte. Al no ser su casa, Antxón no puede abrir la puerta, y con la excusa de que se le habían olvidado las llaves, le pide a Koldo que le ayude a entrar por la ventana. Consigue entrar y, a continuación, Koldo llama a la puerta para que Antxón le abra. La sevillana, Merche, la actriz Carmen Machi, le sigue el rollo a Antxón y finge ser su madre durante el tiempo que sea necesario. Al abrir la puerta, Merche y Koldo empiezan a hablar y se van conociendo, mientras Amaia y Antxón se miran fijamente deseando que se acabe la conversación. Al fin se acaba, pero Merche les invita a quedarse a dormir. A partir de ahí la comedia se enreda más y más.

   En general es una película muy divertida, porque está llena de chistes y situaciones cómicas de vascos y sevillanos. El momento que más me gustó fue la escena en la que Antxón se confiesa al cura y... (bueno, no os la voy a fastidiar), y el personaje que más me gusta es Antxón, ya que es interpretado por Dani Rovira, un genio del humor, de esos que con que te digan "hola" ya te ríes. En fin, es una de las mejores películas que he visto, y eso que no hay "tiroteos" ni nada por el estilo. Os la recomiendo.

viernes, 9 de mayo de 2014

LAS TROYANAS



        Año: 415 a.C
      Género: Tragedia
 Dirección y producción: Grupo de Teatro Griego 'Komos'
         Idioma(s): Castellano (griego original)
      Escenario: Teatro romano de Sagunto.
     Fecha de la representación: 9 de abril 2014

       Por sus ideas poco acordes con la sociedad en la que le tocó vivir, Eurípides fue el autor griego menos reconocido en su tiempo. En sus tragedias muestra personajes contrarios al tipo que seguían los demás autores: inseguros, oscuros, incapaces de enfrentarse a su destino... En la mayoría de sus obras el papel principal lo interpretaba una mujer. Además, tenía la mala costumbre de cuestionar la 'perfección' de los dioses y la existencia de los mitos en los que se basaba, en muchas de sus creaciones también ponía en duda la heroicidad de héroes clásicos como Odiseo (Ulises). Probablemente tuvo muchas riñas con sus contemporáneos a causa de su rara concepción del teatro, algo así como un StanleyKubrick del teatro griego.

     Su obra 'Las troyanas', cuya representación fuimos a ver al teatro romano de Sagunto el día 9 de abril, trata sobre el desgarrador dolor que desoló a las mujeres troyanas después de la guerra contra los ejércitos griegos. Como era común en aquella época (aprox. 1200- 1100 a.C), los vencedores regresaban después de la batalla a sus casas con algo más que tesoros y gloria: esclavas y esposas. Esta tragedia nos sitúa en la piel de Hécuba, esposa de Príamo y reina de la ahora derruida Troya, quién observa, impotente y rapada en honor a la memoria de su esposo, como los griegos violan a una de sus hijas y destruyen los templos que su pueblo levantó en honor de los dioses.
  
      He de decir que la puesta en escena no fue nada del otro mundo, más bien fue pobre. Pero si consideramos que esta tragedia se hizo hace cientos de años, cuando no existían apenas recursos, y suponemos (supongámoslo) que el director no ha querido decorados para mantener la esencia de la versión original, podemos pasar por alto esa carencia. Lo cierto es que los sacos tirados por el suelo y los banquillos le daban un no sé qué especial a la escena.

        Por otro lado, si tuviese que resumir las actuaciones en una sola palabra sería "magistral", con comillas y todo. Creo que esta es una de esas otras producciones en las que no puedes prescindir de ninguno de sus integrantes.

Monólogo de Hécuba (en el centro)
Fotografía tomada por Juan Rosado
 


Vimos a una Hécuba, a una madre, a una reina, destrozada, desesperada, desgarrada ante el aciago destino que le espera a ella, a sus hija y a su pueblo.

Taltibio saludando
Fotografía tomada por Juan Rosado
   







A un Taltibio implacable que parecía no sentir ni la más minúscula empatía por las mujeres troyanas, y que, a pesar de no moverse por el escenario, brilló por su contundente tono de voz y la gravedad de sus palabras.




Monólogo de Cassandra 
Fotografía tomada por Juan Rosado   

A una Cassandra enloquecida de tristeza, que barajaba muy bien las emociones que sentía el personaje, pasando del llanto desesperanzado a esa risa siniestra que caracteriza a los que se han vuelto dementes. Cuando esta actriz hablaba parecía desvanecerse todo lo demás, tanto por la voz entrecortada que rompía el alma a uno, como por lo bien que se desenvolvía en el escenario.       
 


El Coro cogido de las manos
Fotografía tomada por Juan Rosado 
 Por último, el Coro. Bellísimo Coro. Por su implicación con la obra, por su cercanía con el público y puede que también por sus atuendos, fueron los personajes que a mí personalmente más me llegaron. Es posible hacer una gran actuación sin mediar palabra ni ser protagonista: las integrantes del coro seguían llorando y consolándose unas a otras cuando la escena se centraba en uno de los personajes principales, y eso es algo admirable. El aguante que debe tenerse para estar una hora y pico en el escenario sin decir casi nada, quietas en la misma postura, bajo un sol que hervía el agua, con túnicas hasta los pies, y actuando. La interpretación por gestos, estando a la sombra del protagonista, demuestra si realmente vives lo que estás interpretando. Esa forma de actuar es, en mi opinión, la que de verdad dice si un actor es Actor.
     
     Hubo un detalle que me impresionó especialmente. Las troyanas tiradas en el suelo, destrozadas, mientras Hécuba lloraba... Y, de repente, descubro que una de ellas está escondiendo la cabeza en el regazo de otra, haciendo como que no puede soportar ver así a su reina. Me impactó esa imagen. No es la protagonista y actúa, ¡y sigue actuando! Ese gesto, sencillo y nada transcendental, demuestra una inmensa implicación en la obra, así como un gran respeto hacia el director y todos sus compañeros. Es un acto de generosidad, a mi parecer. Dejar a un lado el afán de protagonismo y centrarse en crear una imagen, una imagen creíble. No recuerdo ni el aspecto ni el nombre de aquella actriz, pero hizo que yo también me implicase en aquella historia tan antigua.

      Pero, lo que posiblemente más me llamó la atención, de todas las cosas que me la llamaron, fue el curioso hecho de que, después de leer el guion en clase, aquella tragedia no se pareciera ni lo más mínimo a la que asistimos como espectadores. Como si hubiesen mantenido a los personajes y cambiado el texto, que, sin embargo, era el mismo. He de decir que en el aula yo encarné a Taltibio, a un Taltibio que en nada se parecía al que vi en Sagunto, y pensaba mientras transcurría la obra lo grande que puede ser un personaje si lo tratas como es debido. La magia de la interpretación.

      Quisiera felicitar al grupo de actores que se zambulleron de cabeza en este proyecto, el grupo de estudiantes del IES Distrito Marítimo de Valencia que quisieron (sí, sí, por voluntad propia) dedicarse a dar vida a antiguas historias griegas y a sus autores. Porque debemos reconocer el esfuerzo que esto supone, porque llevan muchos años haciéndolo y porque forman parte de este otro mundo paralelo en el que todavía hay entusiasmo y entusiastas.

Grupo de Teatro Griego 'Komos'
Fotografía tomada por Juan Rosado

       Por si queréis saber más de ellos, aquí os dejo un enlace:

http://www.grupokomos.com/GrupoKomos/Grupo_Komos.html

Agradecimientos: a Juan Rosado por las fotografías, y a Ana Arriaga y Jesús García por ofrecernos esta experiencia.

jueves, 27 de febrero de 2014

TEATRO DE MARIONETAS DEL SIGLO DE ORO

      De lo que me encontré en una maleta abandonada a la salida de un teatro en Montevideo

Dramaturgia y dirección: Claudio Hochman (a partir de textos de Lope, Tirso y Calderón)
Actor, manipulador y músico: Sergio Adillo
Concepción y fabricación de los títeres: Jesús Caballero

      El día 17 de diciembre de 2013, los alumnos de 1º de bachillerato de la optativa Castellano Lenguaje y Documentación, junto con 3º ESO, fuimos al teatro Espacio Inestable, situado cerca del centro de la ciudad de Valencia, para asistir a la obra teatral De lo que me encontré en una maleta abandonada a la salida de un teatro en Montevideo, a cargo de la compañía teatral La máquina real (así se denominaban las compañías que representaban espectáculos de títeres en los corrales de comedias).


     Cuando llegamos, nos ubicamos en nuestros respectivos asientos y descubrimos un escenario un poco rudimentario: ausencia de telones, fondo negro y muy poco atrezo (una mesa cubierta por un mantel y una vieja maleta de madera).

      Lo que más nos sorprendió al empezar el espectáculo fue que solo entró un actor a escena, aunque enseguida nos presentó a sus ayudantes: unas marionetas de madera, rotas en su mayoría. El titiritero nos introdujo en la historia mediante un breve relato en el que nos explicaba cómo encontró a sus títeres y unos fragmentos de obras literarias del Siglo de Oro de la literatura española, más concretamente de Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca.

     En un principio, nos ofreció un pequeño monólogo cantado al más puro estilo de la Edad Media, acompañado de su guitarra española (recogida de la basura y restaurada, comentó el protagonista). Posteriormente, nos enseñó títeres completos y partes, les dotó de un personaje, y representó fragmentos de obras famosas, como Don Gil de las calzas verdes, El gran teatro del mundo, El burlador de Sevilla, El caballero de Olmedo, El perro del hortelano, Fuenteovejuna, etc. Todo esto aderezado con pequeños incisos musicales que hicieron más amena la composición teatral.

   En general, poco importo que solo apareciera un actor, pues su interpretación estuvo llena de gags* que compensaron la falta de compañeros en el escenario y dotaron al espectáculo de dinamismo. Consiguió, por tanto, acercar estos textos cultos a un público joven y actual. Aunque, al finalizar, por si no había sido así, el actor, ya despojado de su papel, abrió un diálogo con el público con el fin de aclarar las dudas que nos hubieran ido surgiendo a lo largo de la representación y para mostrarnos el proceso de fabricación de sus peculiares amigos. 
     
   Como conclusión: no tenemos excusa para dejar de ir al teatro; no es demasiado caro y nos aporta entretenimiento y cultura. 

*gag: en comedia, algo que transmite humor a través de imágenes.

lunes, 10 de febrero de 2014

RESEÑAS

       Otra de las actividades propuestas es la elaboración de reseñas. Podemos considerarlas como una variante de los artículos de opinión (en algunos casos, del reportaje). El objeto que se valora en este caso es un libro, una película, una obra teatral… Y su estructura viene mucho más marcada, pues exige las siguientes partes:

  •  Encabezamiento: datos de la obra.
  •  Contextualización: información general sobre el marco histórico y cultural, y sobre la vida y obra del autor.
  •  Análisis descriptivo: partes y resumen de su argumento.
  •  Comentario crítico (convergente y divergente).
      
       Y tú, lector, ¿qué nos recomiendas?